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博客

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丁国红访谈 || 从"一带一路"艺术上海到纽约世贸中心再到香港巴塞尔:“将金缮作为方法的个人艺术计划”
7月
2022
艺术家访谈录 丁国红访谈 || 从"一带一路"艺术上海到纽约世贸中心再到香港巴塞尔:“将金缮作为方法的个人艺术计划”。 Q1:请问老师是什么年份开始习画的。从习画开始,共举办多少次个展。 丁: 从1992年习画开始,举办过三次个展。1995年在上海读大学期间,在学校的艺术沙⻰里,举办了我的第一次个展;2014 年在上海虹桥当代艺术馆,举办第二次个展;2021年在美国纽约世贸中心,举办我的第三次个展。 Q2:我们想了解一下老师怎样看自己作品的演变。 丁: 第一阶段综合阶段(做学生):由素描、色彩等造型基础的训练考入大学美术系,然后接受学院从本科到研究生系统的 专业学习,国、油、版、雕、设计等各⻔类的专业课程都有涉及。第二阶段:水墨阶段(做老师):水墨是沉淀在中国文化基因 里的印记底色,对水墨画的天然亲近是与生俱来的,和生养自己的这片土地的文化传统有关。我大学毕业后自然而然地选择了水 墨艺术的探索方向,从传统的浙派水墨到海派水墨,从实验水墨到当代水墨,对水墨的发展脉络我花了很⻓时间梳理了一次,逐 渐确定了自己的水墨菜单,出版了三本个人画集,举办了一次水墨个展。第三阶段:金缮阶段(做自己):经历了多年的水墨探 索之后,我意识到传统水墨画在当今全球化、数字化文化语境中已经和时代渐行渐远,和⻜速发展的时代几乎毫无关系,问题和 困惑让我重新寻找答案,水墨如何融入当代、如何面对当今的现实语境、如何表达当今艺术家的生存感受,唯有将水墨融入观 念、行为、装置、影像等更多元的表达,才能激活水墨在新的时代背景下的生⻓可能,焕发崭新的活力,才有可能在世界艺术共 同体中找到东方精神的生⻓点和存在价值,所以,从画家思维上升到艺术家思维,逐步建立起自己的艺术系统和方法论,这是现 阶段我要做的工作。 Q3:老师会怎样界定或定义自己的作品。 丁:贡布里希说过:“艺术史上没有艺术品,只有艺术家”,艺术作品和艺术家是分不开的,而要成为艺术家,必须具备艺术 家的思维和认知,艺术家的成⻓过程也是认知不断积累和提升的过程,所以艺术创造也是一个动态的不断演化和递进的过程。我 如今的创作手段可能更加综合,也更加多元,从传统的架上绘画走向装置、观念、行为、影像,即使是架上绘画,也更多地植入 了更多观念和行为的意义,而不再是画一幅画的概念,更是一种时间、空间、一个物的概念。 Q4:《金缮计划》的创作持续了多久。 丁:我生活在文化艺术悠久的江南,很早就对金缮这一传统修复工艺充满兴趣。从2015年开始思考如何将金缮的概念植入我 的艺术创作。这期间对金缮的工艺、材料、历史、文化传承做了一些研究和考察,觉得这个修复的概念在当今很有意义,也很当 代,思考如何把金缮这个古老的技艺激活,和自己的艺术创作结合,于是制定了一系列的创作计划,这就是《金缮计划》,正式 出作品是从2018年左右。 Q5:《金缮计划》的名字的由来。可否解释一下这系列的概念,想表达的是什么情感、想法和理念。 丁:“金缮”在百度百科中,有这样一段话:“漆缮(即金缮)的本意在于,面对不完美的事物用近乎完美的手段来对待,每个 器物都有生命,从被制作出来,到被人使用,难免磕磕碰碰,就好像一个人的生命历程里总会遇到一些事,难免伤害或者折损。 金缮代表一种态度,用世上最贵重的物质与精神来面对缺陷,精心修缮,面对缺陷不去试图掩盖,坦然接受生命中的不完美,在 不完美中追求完美,由此获得升华,有“凤凰涅盘”式的再生,反而超越原有的层面,达到更高的境界。另外,“冰丝裂纹”也被称 为“金丝铁线”,是中国古代⻰泉⻘瓷中的极致顶级艺术样式,素有“哥窑品格,纹取冰裂为上”的美誉。冰裂之纹巧夺天工,浑然 天成,帝王独爱,岁岁平安,是极具典型的化腐朽为神奇的残缺之美,两种中国古老技艺的碰撞融合,衍生出“金缮计划”的艺术 项目。 Q6:《金缮计划》下有再细分不同子系列,如“经课”,“中国山水”,“郭熙早春图”,“雪景寒林图”"蒙娜丽莎"等,请问这些子系列 分别有什么不同的概念。 丁:金缮计划是一个系统工程,金缮是在解构的基础上新的玩法,经课系列就是我每天的日常,素绢碎片化的中国山水世 界,对话外国经典作品,从图像和摄影粉本中的平面逐渐走向装置建筑到立体的,让金缮从未有过的当代。我希望金缮计划是治 愈人心的,是具有普世价值的。 Q7:完成一幅这系列的作品需时多⻓。另外可否阐述一下作画过程。 丁:如金缮计划经课系列,68cm*68cm一幅需三天左右,每天不少于8小时。一幅尺寸较大的作品需要1个多月才能完成, 在日复一日地创作中,重复着相对简单的操作,这种专注的工作不仅仅是一种简单的行为,是从起步到持续到完结的过程。整个 作画过程近似“禅”的冥想与感悟,那种细致绵密,如流水般具有生⻓性般的笔触,从一生二,二生三,三生万物中,从人的行为 来体现东方哲学智慧和经典的绘画空间结构与现当代抽象自然融汇和自然表达。 Q8:为什么会以这种方式、构图,而不是其他形式来表达问题5和6提及的理念。 丁:解构经典作品是具有革命性的,裂变是破坏性的,德里达曾说:“当你在解构的时候,你本身已经被解构了。”要解构始 终是要在已有结构基础上来完成,我实践着用“金缮”的理念去创作世界上的许多事物。 Q9:这系列在用色方面有刻意用上或避免某种颜色吗。原因为何。 丁:金缮计划顾名思义用金色来完成作品,我曾取各种各样的40余种金色来创作,同样是金色还有许多色差。有次我不经意 用碳笔在餐巾纸上画,用留白的方式画出裂纹,不表达任何欲望,抛弃所有的经验,从无到有,恰似一个生命运动,纯粹到无技 巧,反反复复,就像僧人反复念着经文一样,专念于一种旋律,这里没有情绪,运用我最熟悉和原始的碳笔和宣纸创作,这或许 就是艺术旅途中的修行。世界是黑的、白的、金的,终究还是彩色的。 Q10:为什么想表达问题5和6提及的有关理念,这跟老师自身经历有什么联系。 丁:罗伊.⻢丁纳有一段话我一直很喜欢“我生命里最大的突破之一,就是我不再为别人对我的看法而担忧,此后,我真的能 自由地去做我认为对自己最好的事。只有我们不需要别人的赞许时,才变得自由”。 Q11:透过这系列表达的种种情感、想法、理念等与现实社会的转变有什么交流或碰撞吗。 丁:我希望艺术是治愈人心的,艺术创作是每个艺术家如何看待这个世界的智慧,就好像如何理解“艺术即生活”一样,如果 你想做一个真正的艺术家,就应该会有社会与现实有碰撞,相信艺术家是社会中最敏感的一拨人。金缮计划是一个综合性的艺术 项目,注重艺术与实验环境的实验,如环保主题社会调查等。 Q12:我们留意到这系列的一些作品以装置形式展出。不知老师是否也喜欢装置艺术。抑或是为了这系列在形式上有创新的 变化。 丁:观念、行为、装置、影像是艺术家走向当代的路径,当给你足球场大的特定空间时,我首先考虑用装置呈现更合适,刚 好有机会就在美国纽约世贸中心做了大型装置个人艺术项目——金缮计划。 Q13:这系列会否在形式上再寻求变化呢。 丁:肯定会的,如今我做的是平面延展,如何矗立折叠延伸,探索在不同空间去完成作品的可能性。 Q14:老师是希望透过这系列达到什么个人目标或理想。 丁:往大了说,我希望创造出中国的、世界的、丁国红的艺术,往小了说,我通过这种方式救赎我自己。 Q15:老师希望观者看到您的创作会有什么感受、想法。 丁:在碎片化的世界里,让我们更加珍惜生命短暂的存在,乐观地看待生命中的不完美,不断的自我修复和对未来充满美好 的期待。 Q16:自己的作品中有哪一张特别喜欢或留有较深刻的印象吗。 丁:我收藏的一件残片山水中有裂纹和虫洞,我用金色把其修复了。 Q17:在老师的创作中,有在追求什么吗。老师能想象自己将来的创作会有怎样的延伸和发展吗。 丁:每个时代都有每个时代的艺术家,传统文脉如何当代演绎,是我永恒不变的主题。目前,先把金缮系列作品做好,将来 我会发展成如何,我无法预测,应该会越来越好,哈哈。 Q18:有比较重要的一位人物启蒙/启发了老师的创作吗。 丁:刘国松老师,他的创造精神和人格魅力一次次激励我,对我影响特别大。 Q19:对于在世界各地的抽象创作中所观察到的相似性,老师有何看法。 丁:对的,如果是纯粹的抽象艺术,现世界各地的抽象作品有许多类似性,尤其是几何抽象,很容易让艺术走进形式主义的 死胡同,艺术的意义在于唤醒、激发,不断地给予观众以新鲜的刺激,创造新的语言和表达方式,抽象绘画在当今已经失去了它 的保鲜期和时效性。我们应该寻找一种更合适当代的艺术方法论来创造作品。 代表作品 概述 丁国红的作品以东方的思维方式和独特的创作方法论系统,为当下的世界给出自己的回应,为当今多元化的艺术生态提供一件值得人们思索的个案。2018年,丁国红另辟蹊径,开启了《重读美术史》系列创作。丁国红立志使用自己的绘画语言来重塑世界美术史上不同时代的经典作品,在经历了中国当代艺术潮流快速更迭、⻄方艺术观念涌入的冲击后,他选择了两条路来走,分别是⻄方美术史和中国美术史。丁国红将两部美术史里的大师作品进行重新研读与图像研究, 并将其转化为自己的创作。最初他受⻄方的启蒙和学习,然后模仿,当具备了基本的绘画能力之后又回到自己的传统,回到自己的文化里寻找一个专属于中国当代性绘画的面貌,即“中国精神,当代语言”,这也是丁国红《重读美术史》系列作品的创作初衷和目标。而当今诸多中国艺术家也为之努力,从早期的学习、模仿到逐渐开始思考,致力于真正建立一个具有中国气派、中国精神又有当代性的、具有中国人自己的价值观和审美的当代绘画系统。从他近年来的《水墨计划》、《脉象计划》到《金缮计划》,是丁国红从画家思维到艺术家思维的自觉“升纬”,是对之前二十余年的画家思维的反思与切割,是超越画种界限寻找更为开放和包容的表达可能性的彻悟与自然嬗变,是出于自觉意义上的个人创作方法论系统的升级换代。 第一部分 金缮计划 丁国红以一个当代艺术家的敏锐和智慧,通过实践,不断激活休眠于东方文化中的古老基因,将“金缮”这一源于东方传统的古老修复工艺,转换成自己的艺术创作理念,完成了对“金缮”这一概念巧妙的移植与嫁接,赋予了其更多隐喻、象征的修辞意义。金缮代表一种态度,用世上最贵重的物质与精神来面对缺陷,精心修缮,面对缺陷不去试图掩盖,而是坦然接受生命中的缺陷,由此获得升华,有“凤凰涅槃”式的再生,反而超越原有的层面,达到更高的境界。另外,“冰丝裂纹”也被称为“金丝铁线”,是中国古代⻰泉⻘瓷中的极致顶级艺术样式,素有“哥窑品格,纹取冰裂为上”的美誉。冰裂之纹巧夺天工,浑然天成,帝王独爱,岁岁平安,是极具典型的化腐朽为神奇的残缺之美,两种中国古老技艺的碰撞融合,衍生出了“金缮计划”艺术项目。文化情境中产生的作品,以挪用、解构和再创造的方式,对公众耳熟能详的经典作品进行再演绎,这是丁国红与艺术大师的重新对话。 金缮计划之宋·屈鼎·夏山图 宣纸洒金色笔180cm x 480 cm 2022 金缮计划之宋·范宽·溪山行旅图 宣纸洒金色笔 138cm x 68 cm 2022 金缮计划之宋·郭熙·早春图 宣纸洒金色笔 103cm x 68 cm 2022 金缮计划之宋·范宽·雪景寒林图 宣纸洒金色笔 91cm x 68 cm 2022 金缮计划之五代·巨然·万壑松⻛图 宣纸洒金色笔 91cm x 68 cm 2022 金缮计划之鲁迅 宣纸洒金色笔 50cm x 50cm 2022 金缮计划之毕加索 宣纸洒金色笔 68cm x 68cm 2022 金缮计划之蒙娜丽莎 宣纸洒金色笔 73cm x 53cm 2022 金缮计划之德拉克洛瓦·自由引导人⺠ 宣纸洒金色笔 180cm x 225cm 2022 金缮计划之袁隆平 宣纸洒金色笔 68cm x 68cm 2022 金缮计划之梦露 宣纸洒金色笔 68cm x 68 cm 2022 金缮计划之梅杜萨之筏·籍里柯 宣纸洒金色笔 68cm x 100cm 2022 金缮计划之大碗岛的星期天·修拉 宣纸洒金色笔 83cm x 122cm 2022 金缮计划之拾穗者.米勒 宣纸洒金色笔 83cm x 122cm 2022 金缮计划之明·沈周·庐山高图 宣纸洒金色笔 139cm x 69cm 2022 丁国红美国纽约世贸中心个人艺术项目《金缮计划》 2021年 金缮计划之经课2021.09 宣纸洒金色笔 180cm x 90cm 2021 金缮计划之经课2020.01 宣纸炭笔 200cm x 344cm 2020 金缮计划.碎片化山水 布面水墨综合 70cm x 70cm x 2 2019 金缮计划.中国山水.No.50 30cm x 30cm 纸本设色 2018 金缮计划.中国山水 纸本设色 30cm x 30cm x 9 金缮计划.五代·巨然·万壑松风图 金缮计划.中国山水.早春图 纸本水墨 158cm x 108cm 2018 第二部分 脉象计划 脉象原为中医学名词,指脉搏的形象与动态,由位、数、形、势等四个方面组成。中医的很多理论和中国艺术理论是相通的,都是源于东方哲学的思考方式。丁国红的《脉象》系列所呈现的是艺术家对中国文化和美学的一种思考和感悟,万物从无到有,从动到静,从刹那到永恒,象显象隐,象生象灭,皆是因为宇宙生命流转运动的结果,而世间万物皆有其物性,皆有脉象,皆携带着宇宙生命脉搏跳动的密码,而如何发现那个隐藏在万象之下的那个形而上的道,正是丁国红创作《脉象》系列时的思考。 脉象系列 纸本水墨 366cm x 486cm 2019 脉象系列 纸本水墨 180cm x 600cm 2019 脉象系列(局部) 现代水墨之父刘国松老师(左),美国加州大学教授沈揆一老师(右)在丁国红《脉象系列》作品前合影留念 脉象系列 脉象系列 脉象系列 布面宣纸综合 60cm × 60cm 2020 脉象系列 布面宣纸综合 120cm × 210cm 2020 第三部分 水墨计划 水碰墨,墨碰水,黑白相生,生生不息;水墨相望,亦中亦⻄,无心东方,也无心⻄方,无心抽象,也无心具象,一念初起,一念又忘......二十多年来,水墨给丁国红带来没有“目的性”的思考,更多的“偶然性”、“可能性”,在可控和不可控之间自然地生发。发现偶然,经常偶然,定格偶然,自然而然。既是⻛景,也是山水,似乎是某种幽远的心魂之中的余像,仅仅是记忆之中,在如梦的摇荡之中,在某种瞬间被触发出来的片段。自古以来,那种“可行,可望,可游,可居”之山水境界,是一切贤人君子处乐适观行望游居的精神天地。 水乡印象组画 水墨 69cm x 69cm x 9 2013 早期山水 纸本设色 34cm x 136cm x 6 宋画系列5 铝板水墨 120cm x 90cm 2019 宋画系列7 纸本水墨 120cm x 90cm 2019 门前的山慢慢长成画的样子 纸本水墨 2018 宋画系列6 纸本水墨 120cm x 90cm 2019 水墨计划 古典山水 纸本水墨 90cm x 30cm 2017 移动的景系列 综合材料 45cm x 150cm 2017 美国波士顿美术馆中国部主任、哈佛大学博士白玲安老师(左)在丁国红《水墨系列》作品前合影留念 【墨缘·天姥】 上海“水墨星期三” 乙未新昌雅集 丁国红(白丁),1974 年出生于浙江新昌。现为中国美术家协会会员,中国美术教育专业委员会委员,浙江大学艺术创作研究中心研究员,上海大学美术学院水墨缘工作室成员,SlVA•当代水墨艺术研究院研究员。 艺术经历 学习经历 1996年 毕业于上海东华大学 1999年-2001年 杭州师范大学 2001年-2002年 浙江省教育厅艺术研究生课程班 2002年-2004年 中国美术学院研究生班 2006年-2008年 北京师范大学访问学者 2010年 日本新泻国际艺术学院 2013年 "国培计划" 2018年始 SIVA当代水墨研究院 重要展览 2022年 巴塞尔Art Central 2022香港画廊协会十周年展 2021年 丁国红美国纽约世贸中心个人艺术项目——金缮计划 2020年 “一带一路”艺术上海国际博览会 、上海美术学院水墨缘十五周年艺术大展 2019年 水墨样本:多重语境下的水墨研究 、SIVA当代水墨人才高峰展 2018年 YOUYI.国际当代艺术作品展、无.双当代艺术展 2017年 第六届世界华人美术教育大会 2016年 “墨缘天姥”水墨星期三新昌写生十人上海展 2015年 “林泉墨游”丁国红上海个展 2014年 中国美术学院教育创新能力成果展 2013年 “沪墨越韵”首届上海绍兴中⻘年画家水墨联展 2012年 获第十二届鲁迅文学艺术奖 2011年 策划组织全国高校美教联盟 中国书画学术文献展、获“辉煌浦东”全国中国画展最高奖 2010年 获第九届全国水彩画画展最高奖 个人出版物 2014年《林泉墨游·丁国红画集》,中国美术学院出版社 2013年《沪墨越韵·丁国红卷》,绍兴市文化广电新闻出版局 2004年《丁国红作品集》,香港天⻢图书有限公司
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用一根羽毛丈量時空
11月
2021
印象 | 文 詩 | 佳霖/文榕/依草/印象,羽毛畫 | 董慧 2021年11月30日 用一根羽毛丈量時空 何佳霖 一根羽毛 藏着一群吱吱喳喳的小雀 一根羽毛,丈量時空 牠更像來自上天的禮物 在你不經意的時候 就遇見了它 一根羽毛,越來越大 可以洞見一群小雀的遠方 一根羽毛,藏着一群追夢的人。 羽,輕輕掠過帶血的春秋 何佳霖 有一種輕, 穿花而過 像夢高於緯度,不驚擾世人 有一種輕, 根植於生命卻斷離生命 那是以輕為名的重 像筆觸,把帶血的春秋 輕輕掠過。 一片殘破的羽毛 ——觀董慧老師的畫《自由的樂趣》 文榕 它缺了一角 在混沌初開的世上流瀉著 可期的是它崩缺處的微茫之光 靜靜向天宇漫散 世界原本如初 一片帶著傷痕的羽毛飛向何處? 我只記取了它冥冥的天真 依傍著鴻蒙初啟的天色 匠心繪出羽千重 ——觀董慧老師作畫有感 衣草 匠心繪出羽千重, 柔若輕雲矯若松。 炫彩豐姿隨夢舞, 會需一日九霄逢。 盟約 印象 哦 波浪 大海永不褪色的語言 以最柔最軟的力 征服岸 在石頭上留下 沒有棱角的記憶 蔚藍色的音符啊 如此單純而又如此 深不可測 在海岸粗礪的足下 無盡湧動着癡情 水天之際席捲而來的 藍色羽毛體 一次又一次 被波濤粉碎 復又一次次 任浪花鑲上銀邊 高高擎起 畫家簡介: 董慧,1965 出生於香港,2019 結業於當代水墨人才高峰班,師從現代水墨之父劉國松教授。現居中國香港,現為香港當代水墨藝術家及盈鑾畫廊創辦人,盈鑾乙味國際藝術協會主席、香港四維彩墨畫會理事和香港傳統技藝拓展協會榮譽會長;她同時亦為香港美協、香港現代水墨畫會、當代創意水墨畫會、尚思硏藝學會畫會以及草木畫會會員。 後記: 羽,不一般的風月 印象 這是一次沒有預期的詩畫之旅,詩歌、評論、畫作碰撞迸發出來的火花,令在場的每一位驚嘆不已!日前評佳霖的詩「時代」,配上畫家董慧的畫,簡直是天作之合!最近董慧在銅鑼灣展出她美奐美倫的羽毛作品,輕靈的羽毛體,喚醒一場風、喚醒,一場夢⋯⋯ 13/11 ,香港女詩人佳霖、文榕、衣草、印象,結伴同賞她在銅鑼灣「繡飾.度人」精品店的工作坊。董慧出神入化的羽毛繪製,技驚四座,好比上帝創造始祖時,輕輕吹一口氣,亞當夏娃便成了「有靈的活人」;董慧也賦微不足道的羽毛予靈氣,彷彿你不小心呵一口氣,它們就會活過來,奪窗投奔自由而去⋯⋯ 佳霖形容「它像縮小的銀河系落在桌上/手一按,羽翼就成了,多像神啊/說要有光,白天就出來了/鷹的去向,只有畫它的人知道。」 刺繡/佳鴻 果然是不一般的花草,不一般的風月!香港女詩人著實參與了一次視覺的盛宴! 作者簡介: 董慧,左起佳霖、文榕、衣草、印象攝於董慧羽毛工作坊 何佳霖,香港國際創意學會主席;香港女作家協會主席;《女也》及《香江文壇》總編,橄欖葉年鑒主編等。出版多本詩集。獲各種獎項。 文榕,香港散文詩學會副會長、香港女作家協會秘書長、香港《橄欖葉》詩刊主編。作品入選數十種詩文集。出版詩集、散文詩集多部。獲多種獎項。 衣草,又名天邊雲。東方之珠文化學會副會長,香港大中華詩詞協會副會長,香港書評家協會副會長,《香港書評家》主編,香港女作家協會理事,香港世界文化藝術協會理事等。 楊夢茹,筆名夢如、印象,香港女作家協會副理事長。著有詩集《季節的錯誤》《穿越》,散文集《她穿行於清醒的迷茫》。詩畫合集「心象•意境」。
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《狂想曲》 - 康雁屏個展
1月
2021
盈鑾畫廊創辦人 董慧 | 文 2021年1月12日 康雁屏與我是在上海視覺藝術學院的「當代水墨人才高峰班」裏的同學,為劉國松老師在東南亞挑選的15位學生之其中一位香港人。我倆一同於2019年結業。 記得劉老師曾說:「當畫家,若要成功,必要瘋狂!」我意會到要瘋狂必先拋棄一切凡俗事務,完全忘掉自己在現實的存在,血與肉及靈魂必須處於虛空狀態。這樣才能感應天地,與宇宙自然合一,達致莊子眼中的天樂。 我相信康雁屏創作這「狂想曲」系列必已達到超脫凡世的極致天樂階段,恭喜她、羡慕她! 「狂想曲」系列中她撕破自己的作品,經修補再重組,過程中必然經歷過最痛心的一刻,茫然、徬徨,只有自知何其艱難!從有變無,從無變有,在虛實之間進出兩極,巧妙且成功地創建出一個讓世人有所警惕的完整故事,呼籲大家珍惜當下、珍惜大自然及地球。 康雁屏能透徹把當代社會發生的問題以她的藝術品一一呈現並進行深入探討,這不就是當代藝術家的使命嗎?這次個展展現她在傳統筆觸及意識形態上的大躍進,超脫了過去,更上一層樓!鬼斧神功讓藝術家們都目瞪口呆,藝術愛好者萬萬不能錯過她這次在盈鑾畫廊的個展!她對藝術的追求及熱誠讓我深感佩服! 《狂想曲》 - 康雁屏個展 展期至2021年2月11日。因需要控制人流,請致電2341-8899先預約才到訪。 感謝各界支持推廣文化及當代水墨!
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A_Brenda Hong 康雁屏, Rhapsody Series - Rage V 狂想曲系列 - 動力 V, 2020, Ink, Colour & Collage on Paper 水墨設色紙本拼貼, 42 cm x 42 cm, HK$8,800
康雁屏《狂想曲》:盈鑾畫廊個展
1月
2021
Louis Cheung | 文 2021年1月12日 康雁屏最近的作品系列以《繁衍》、《起源》、《激情》、《動力》及《靜夜》共5個篇章,結合成朝迴夜伏、晝暮不息的韻律。 在《狂想曲》這個揚飛逸放的命名下的,卻是康雁屏藉由拼貼方式對自身筆墨所體現的沉思,這使她採取的方中有圓的佈局,成為一種帶有經驗性質的重組。 那中心的圓,圓內是如隔窗靜觀的世界,同時也是一面映照心識的鏡子。在《靜夜》中浮凸立體而出的竦峙排列,或《動力》中的潮生此時,圓內外空間互相跨越,化為彼此流動、牽引對應的風景,整體表現出心物如一、色線諧協的宇宙觀。 日期:即日起至2021年2月11日 時間:星期二至六,11:00 - 19:00 地址:黃竹坑道21號環匯廣場1602室 電話:2341 8899(參觀前請預約)
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《狂想曲》 - 康雁屏個展
1月
2021
盈鑾畫廊 | 文 2021年1月7日 香港現代水墨畫家康雁屏在2020年見證了一場疫症如何改變我們的生活及習慣,大家需不斷作出新適應,思考自己於世界的角色定位。雖然被困於家中,但無礙康雁屏想象力跳出充滿紛爭的世界,以水墨編織出動人心弦的《狂想曲》系列。 《狂想曲》系列是康雁屏於2020年的全新創作,反映出康雁屏過去一年的心路歷程,一路以來的心情起伏,對心裏掙扎過後的一種感悟。作品用上拼貼方法把突發而人爲及自然撕破的新作重新組合,恍如人類在現實生活被無情扭曲後,自我反省再重新修復般,繼續航行。背景加入鏡的元素邀請觀者入畫,進入藝術家的世界裏,一起進行交流,產生共鳴。 疫情令康雁屏反思自己與宇宙的關係,不受時空限制,從現實飛越到另一世界,遊走於宇宙之間。《狂想曲》的第一組作品——動力,反映康雁屏心中波濤洶涌的熱忱與創作期間的掙扎。藝術家將理不清的矛盾複雜情緒轉化爲作品中激昂的筆勁及充滿活力的色塊,多層自上而下、自下而上的拼貼橫跨畫面,就如大海顛簸的波浪。 梳理如浪濤湧現的情緒後,激情尚在,延伸至第二組——激情。 畫作行筆揮灑自如,顔色運用上較第一組集中、明亮、鮮豔,拼貼則以橫向爲主,是康雁屏重拾對生命的熱情之過程。康雁屏更以微鉗把撕破的畫作邊緣之紙筋逐一拔出,形成隱隱約約的水波, 也是探測生命跡象的表現。生命的形成需要多種偶發條件的結合,在畫面撕破於重組之間理解我們曾經擁有的一切,圓外的鏡亦引領你觀賞這曾存在著的美。 回望疫情的紛擾,康雁屏希望從中抽離,建立屬於大家的庇護所。第三組作品——靜夜,以縱向的拼貼組成崇山峻嶺,圓形畫內的鏡讓你彷彿置身在高聳入雲的天山,靜觀其變,與世隔絕。蘇軾的〈題西林壁〉一詩寫到:「橫看成嶺側成峰,遠近高低各不同; 不識廬山真面目,只緣身在此山中。」教人不要以偏概全,須以多個度觀察,認清事物本質。藝術家也希望觀眾能在黑夜或混亂的思索中尋找到平靜,擺脫成見,用真誠維繫各種關係。 思緒經蕴釀後慢慢沉澱下來,乃淨化之過程。第四組作品——起源,當中主要是墨韻較重,圓形主體中上方或下方搭配鮮明的小色塊,形成對比,如同從深山徐步外出雲霧朦朧之象,平靜過後心靈得以洗滌,為未來做好準備。 原始的生命體從沉睡中醒過來,蠢蠢欲動。最後一組作品——繁衍,畫面較圓滿,清新而浪漫的色彩象徵新希望、智慧的誕生。拼貼縱橫交織,其中一張縱方的拼貼部分以不同深淺的青綠色堆砌,看似呈條碼狀的基因染色體,把觀者帶回當下,步入文明,感受寧靜中萬物的流動,體悟處處生機。 康雁屏共五組《狂想曲》,用鏡的反射帶你進入動力、激情、起源、靜夜及繁衍的狂想世界,觀畫同時入畫,重新感受宇宙的力量,認識地球並認清自己與自然的關係。生命的意義在於珍惜和善待,先了解再去愛。希望觀眾能以正能量去迎接2021年的新開始,學懂珍惜地球、珍惜眼前人,讓世界盛滿愛。 康雁屏 狂想曲系列 - 激情 IV 2020 水墨設色紙本拼貼 42 cm x 42 cm
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《別來無恙…》:一場有關別來是否真的仍是那模樣的展覽
9月
2020
Louis Cheung | 文 2020年9月25日 別來無恙,多少是個有些心知肚明,肯定對方有些事發生過的開場白——大概還是老樣子,卻從細節中,看得出他或她經歷了些甚麼。 別來無恙,說的,是人與人間的重見:有關印象和真實、記憶與當下的輪廓所無法完全交疊的情況。藝術史上對重現的研究,亦不過如此。盈鑾畫廊最近的展覽,就以此為題,呼應近來發生的種種。此外,是次參展的畫家馮倚天、吳嘉敏和賴韋林,雖分別來自不同的院校,各自投入不同的門類,也有不同的取徑,但不論出自學習還是個人喜好,都長於臨仿,擅於擬真——前者著重以跟從過去作品上的線條形式為了解前代畫家感悟天地的精神,後者則要求創作耆對自然的親眼觀察。展覽於是亦以上述3位畫家的作品,探討藝術上,對觀看、感知和表現形式的問題。 正如題上的省略號,不長,比往常的6點,短了,雖然是一陣默然,但並非沉長的無語相對,而是有所承接或能聽到回應的訊號。 馮倚天:《山水雙屏之二》(Super-imposition, Landscape No. 2),水墨紙本,160 x 80cm,2020年 馮倚天的《山水雙屏之二》(2020),前景中央,保留了一塊宋畫裡既常見又顯眼的、具有方向感,能把觀眾的視覺,向左右方向同時或選擇性地作出延伸的岩石。類似圖式,可以參考劉松年的《四景山水.秋景》。但在馮作中,岩石表面光滑而嚴重傾斜的平台造型,多層次式的結構,以及與中景「之」字型的曲折山脊依稀相連,卻是馮氏精心經營下的產物。當中一道道不以斧劈,反從積染水墨中畫出垂直向下的平行線,也說明他並不單純地套用後李唐時代的風格——事實上,觀眾仍能在壁面上,看到一些乾枯短小的皴筆。 畫家在《山水雙屏之二》裡,線條的系統化取向、企圖以景物的大小和墨色的輕重區別遠近明暗,表現了理論化山水與真山水間的調節:前景左方的樹跟後面山崖一致的高度,取消了由霧光和中部岩石的連續性所表達的空間感,但被敷以墨色的大幅岩壁的局部性,卻反映了只在此山中的深遠。岩壁代表的堂堂大山,整個形體存在於畫幅之外,無法透過所處的視角盡覽。這種限制,暗示了尺素內的,也許曾是畫家眼前的風光。事實上,馮以穩定而顯出操控性的線條,描繪並不尋常的景色,這力求清晰細緻的筆法構造,本身也催眠了觀眾相信他的幽壑,是真有其景。 而關於曲折山脊短窄的形態與受光情況,就帶有王詵作品中的尖銳筆觸,也能在傳趙伯駒作的《江山秋色圖》中,找到相應的圖式。莊肅《畫繼補遺》卷上謂:「宋高宗題其橫卷《長江六月圖》,真有董北苑、王都尉氣格。」按馮倚天的《寂靜月色二》(2019)而言,中部山麓的圓潤感似乎即襲自董巨一派。此外,他的《秘境》(2017)就是取材於龔賢的《千岩萬壑圖》;《夏山圖》(2018)則幾乎與屈鼎的同名作如出一徹。這充份暴露出畫家具有著力於融會拼貼各種技法來源的開放性,同時也顯示了其複製、演化自己舊作的圖式的執著。 馮的創作實踐,折射出其對傳統山水理論的重現能力深信不疑。但他亦有親近自然的一面——這亦是理論所不斷提醒的。故而其筆觸幾乎沒有一筆無來處,也並無一筆有來處。他所營造的境域,不僅僅是理想中的山水秩序,也呈現了其以傳統觀念為指引構圖取勢的視角的抱負:無步道方向、人煙居遊,只有岩石樹木、黑白光影在其中穿插定位的畫面,展示了從把過去重現到在未來重見之間的一段距離,將及使之無逄接合的心象。 馮先驗地對繪畫的擬真效果,有種信仰式的堅決,以之作為面對不同的際遇時,都能應用自如的原則。另一位新晉畫家吳嘉敏的創作,卻對約定俗成的山水系統的價值,從清逸秀氣中浮現的不定感,隱隱表達了無法順理成章地通盤接受的謹慎。 吳嘉敏:《紙箏圖》(Freedom of Kites),水墨設色紙本、拼貼、摺紙、燒焦的紙屑,122 x 35cm,2020年 吳嘉敏的新作《紙箏圖》(2020),從山形圖式而言,具有黃公望《富春山居圖》末段的影子,但略為不規則的皴擦描繪出的石块,顯示了她的筆法可能有更為晚期的來源。紅、藍色明暗相間的規律,強調了地貌環境的廣度,但夾雜於圖上方的大面積燒紙拼貼,遮擋了本應疊退高聳的山形;全佈置在右方的紙摺風箏和左方顯眼的枯樹,亦使中央的山脈,成為隔絕了視覺移動的正常流程的障礙。換言之,畫家從不同的方向和感官媒介,甚至以各種不完整性,作為增強主景觀基岸部份立體感的手段。 畫家這種風格,也許源自香港浸會大學擅用多元媒介創作的傳統,但其畢業作《日夜太平圖》(2019),撇開當代形式的表現手法不論,窄長的雙屏、當中平面化而由間歇出現的小平台岸面造成的遠景,甚至赭紅與水藍略帶溫潤的賦色,都帶有吳派的審美情調。但這與她更早期所選擇的一批臨摹作品,卻有顯著的差別。如她的《臨谿山行旅圖》(2018),主山部份以平行的拱線堆疊,趨向格式美的肌理,比范寬的原作更為平面化,而右方的溪流和其上的岩石,清淅的組織結構和整齊的紋理,亦更似自王時敏的臨摹作中獲得靈感,多於直接向范寬原作參考。另一幅《臨溪山蘭若圖》(2018),前景亦同樣被她擴大,後方巨障反被壓縮,留有明、清重塑宋式山水的感覺。因此,順時序的探索反過來展現了吳嘉敏在這幾年間,形成《紙箏圖》上的特色的過程。 《紙箏圖》化直軸為橫幅,燒煙痕為流雲,也演主觀渲染的色感為日夜更替的系統節奏,有順應推移,也有在古往今來間的穿梭插問。在今後的時間,這些元素,是否能形成對畫家的既有印象?對於一個新晉畫家而言,筆者期待這一疑問的答案,究竟是在將來重見時,猶如初見的指認,抑或奐然一新的驚訝。 賴韋林:《麻雀軼事之三》(Sparrow Anecdote #3),水墨設色絹本,32 x 32cm,2020年 我見青山應如是。而青山見我,又該如何?是否亦能如此確鑿無疑?賴韋林充滿玩味的3幅小品《麻雀軼事》(2020),就隱喻了當中的答案。真實存活的麻雀與遊戲的麻雀相遇,交錯出對照彼此形相的情境。其中一幅,他借白板的平面為門窗,從而描寫了麻雀身居牌內,探頭向外的好奇,白板與背景一致的賦色,顯示了牌面白色部份的剝離,幾隻紙飛機,便是放逸了的窗紙。至於另一張,畫家雕空牌上的鳥型,並將之置於牌上,如一面紙板,失去花紋的現象,使以工筆精緻地絲毛的麻雀,狐疑於這留白一片的輪廓。而最後那件,筒子儼如鳥籠的盛水器皿,麻雀俯身汲水的模樣,使筒子的符號,化為麻雀以喙點水時漾起的波紋,真與幻於是成為了難以區分、玄妙莫測的一組觀念。 賴韋林:《麻雀軼事之二》(Sparrow Anecdote #2),水墨設色絹本,32 x 32cm,2020年 現實的鳥與同名玩意,分別象徵自然生態與人為工藝,代表城市中兩個看似無法相處並生的向度。但觀眾的代入,使麻雀擬人化;魔幻化的構圖,不但沒有使現實中的關係得更難解、糾結。工藝麻雀符號的鏤空與變質,反而微妙地使本身冰冷堅硬的質地,注入了一股情感的溫度——似曾相識的敦厚。 曾跟策劃這個展覽的胡靖怡小姐聊過,她的話,讓筆者覺得,她想從3位畫家體物的方式,照看世界表象下的真理,檢驗人生與藝術的相似——你是否相信,你的眼睛,能看穿外在?表象與內情,又有多少分一致?眼前復見的人物情景,在大半年的社交距離、居家避疫下,是否讓人有足夠的自信,把別來無恙,說成一句誠然如此的招呼? 由刻劃概念化山水的自信,到對之的梳理叩問,以至調弄生活上共處相通的奧秘,幾位畫家都在傳移模寫的基礎上,作出了必要的變奏和印證。今次展出的作品數量,不多,但對於主觀認知與客觀形象中,一段留白的時空,仍是一場情理並茂、細緻動人的貼心勾勒,也是向久別重逢的人物的真切問候。 註:文中提及馮倚天運用了王詵的山水造型,可見班宗華(Richard Barnhart),劉晞儀譯:〈三幅宋代山水畫〉,載氏著,白謙慎編,劉晞儀等譯:《行到水窮處:班宗華畫史論集》(北京:生活.讀書.新知.三聯書店,2018年),頁174-175。這位學者,甚至在同書的〈公元1085年前後的山水畫〉,劉和平譯,頁148-152中,討論到郭熙與王詵處於同一時代,卻對山水畫的形式,交出了不同的答卷的現象。對照馮倚天重視山水理論的情況,這論點可謂具有啟發性的意義。
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